Editø Magazine

L’essence du luxe et de la culture 

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  • KATSEYE : pourquoi le retour de Sophia en 2027 est une excellente nouvelle pour le groupe

    KATSEYE : pourquoi le retour de Sophia en 2027 est une excellente nouvelle pour le groupe

    Après plusieurs mois loin des projecteurs, Sophia Laforteza retrouvera officiellement KATSEYE en janvier 2027. Une annonce qui soulage les fans et rappelle qu’au sein du groupe mondial, la santé des artistes passe désormais avant tout.

    Depuis sa formation à l’issue de The Debut: Dream Academy en 2023, KATSEYE s’est construit autour d’une promesse simple : celle d’un groupe de six jeunes femmes venues de différents horizons, réunies par une même ambition. Pourtant, ces derniers mois, cette image d’unité a été mise à l’épreuve. Entre absences ponctuelles, pauses temporaires et interrogations grandissantes des fans, le groupe n’est que rarement apparu au complet. L’annonce du retour de Sophia Laforteza, confirmée par HYBE et Geffen pour la première semaine de janvier 2027, met donc fin à plusieurs semaines d’incertitude.

    La chanteuse philippine avait annoncé en août dernier qu’elle mettait sa carrière en pause afin de se concentrer sur sa santé mentale et son bien-être. Une décision difficile puisqu’elle intervenait juste avant la sortie de l’EP Wild et le lancement du Wildworld Tour. À mesure que les dates s’enchaînaient sans elle, les spéculations se multipliaient sur les réseaux sociaux. Certains fans se demandaient même si cette pause pourrait déboucher sur un départ définitif. Le communiqué publié cette semaine apporte enfin une réponse claire : Sophia reviendra bien au sein de KATSEYE et reprendra ses activités avec le groupe dès le début de l’année prochaine.

    Une prise de parole sincère qui a touché les fans

    Au-delà de l’annonce officielle, c’est surtout le message publié par Sophia qui a marqué les esprits. Loin d’un simple communiqué formaté, l’artiste a partagé avec honnêteté son parcours de ces derniers mois. Elle explique avoir pris le temps de recevoir les soins nécessaires, d’apprendre à mieux se connaître et de développer des outils lui permettant de protéger durablement son équilibre.

    Cette transparence résonne particulièrement dans une industrie où les artistes sont souvent poussés à maintenir un rythme effréné malgré la fatigue ou la pression médiatique. Sophia reconnaît elle-même qu’elle aurait aimé continuer coûte que coûte, mais qu’elle a compris qu’avoir le courage de s’arrêter pouvait parfois être la meilleure façon d’avancer. Son témoignage rappelle une réalité encore trop peu abordée dans l’univers de la pop mondiale : prendre soin de sa santé mentale n’est pas un signe de faiblesse, mais une nécessité.

    Durant sa pause, la chanteuse n’a d’ailleurs pas totalement disparu. En septembre, elle a franchi une étape importante de sa carrière en dévoilant son premier projet solo avec une reprise de Never Tear Us Apart du groupe INXS pour la bande originale du film d’animation Forgotten Island. Une expérience qu’elle a décrite comme profondément personnelle, évoquant son attachement à sa culture, à l’amitié et aux valeurs qui la définissent. Cette parenthèse artistique a permis aux fans de garder un lien avec elle tout en respectant son besoin de recul.

    KATSEYE face à une période charnière

    Le retour annoncé de Sophia intervient dans un contexte particulier pour KATSEYE. Quelques mois avant sa propre pause, Manon Bannerman avait elle aussi annoncé un retrait temporaire afin de privilégier sa santé et son bien-être. Depuis, les six membres n’ont plus été réunies publiquement, alimentant de nombreuses théories en ligne. À ce jour, aucune date de retour concernant Manon n’a encore été communiquée.

    Cette situation a placé le groupe dans une position délicate. KATSEYE continue de grandir à l’international, enchaînant promotions, sorties musicales et tournées, mais le projet a toujours été présenté comme une aventure collective à six. Un point que Sophia elle-même avait défendu par le passé, affirmant que KATSEYE resterait toujours un groupe de six membres malgré les absences temporaires.

    C’est aussi ce qui rend cette annonce si importante. Au-delà du simple retour d’une artiste, elle réaffirme une volonté de continuité et envoie un message rassurant à une communauté de fans parfois inquiète. HYBE et Geffen semblent également vouloir montrer que la réussite du groupe ne doit pas se faire au détriment du bien-être de ses membres, une approche qui tranche avec certaines pratiques historiques de l’industrie musicale.

    Pour Sophia, l’objectif est désormais clair : profiter de ces dernières semaines loin de la scène pour poursuivre son rétablissement et revenir dans les meilleures conditions possibles. De son propre aveu, elle souhaite retrouver le public plus heureuse, plus forte et plus sereine qu’auparavant.

    Une réunion qui pourrait relancer une nouvelle dynamique

    L’année 2027 s’annonce donc comme un nouveau chapitre pour KATSEYE. Après plusieurs mois de doutes et de questionnements, le retour de Sophia offre enfin une perspective positive aux EYEKONS. Reste maintenant à savoir si cette bonne nouvelle sera accompagnée, dans les prochains mois, d’une mise à jour concernant Manon. Une chose est sûre : les fans n’attendent qu’un moment, celui où les six membres pourront de nouveau monter sur scène ensemble et rappeler ce qui fait l’essence même de KATSEYE depuis ses débuts.

  • Ujoh efface les frontières du vestiaire à la Fashion Week de Paris

    Ujoh efface les frontières du vestiaire à la Fashion Week de Paris

    Entre tailoring, workwear et sportswear, Ujoh a présenté une collection printemps-été 2027 construite autour d’une idée simple : un vêtement n’a plus besoin d’appartenir à une seule catégorie. Une réflexion subtile sur la manière dont nous nous habillons aujourd’hui.

    Dans une saison marquée par les démonstrations spectaculaires, Ujoh a choisi une approche plus silencieuse mais tout aussi pertinente. Pour le printemps-été 2027, la maison japonaise fondée par Mitsuru Nishizaki explore la notion de frontière, ou plutôt sa disparition progressive. Sur le podium parisien, les vêtements semblent constamment échapper aux classifications habituelles. Une veste emprunte à la chemise, le tailoring dialogue avec le sportswear tandis que le workwear s’invite dans des silhouettes plus sophistiquées.

    Cette ambiguïté volontaire est au cœur du projet. Chez Ujoh, le vêtement n’a plus une seule fonction ni une seule lecture. Une même pièce peut raconter plusieurs histoires selon l’angle sous lequel on la regarde. Sans jamais chercher la provocation, la marque questionne notre rapport à des codes vestimentaires devenus plus flous que jamais.

    Une élégance construite sur le mouvement

    Cette volonté d’effacer les limites se retrouve dans le travail des volumes. Les pantalons gagnent en ampleur jusqu’à adopter des formes ballon tandis que les vestes conservent la rigueur propre au tailoring tout en laissant davantage de place au mouvement. Les coupes asymétriques et les découpes caractéristiques de la maison viennent perturber la lecture des silhouettes.

    Ujoh ne cherche d’ailleurs pas à révolutionner le vêtement de manière brutale. La démarche consiste davantage à déplacer les repères. Un détail change de place, une construction est modifiée, une proportion est rééquilibrée. Ce sont ces micro-déplacements qui donnent à la collection sa modernité.

    On retrouve également cette recherche dans la présence de Ujoh Synth, la ligne plus sportive de la maison. Plus directe dans son approche, elle injecte des références techniques et des couleurs plus franches dans un vestiaire habituellement dominé par la précision du tailoring japonais.

    Quand le savoir-faire traditionnel rencontre le contemporain

    L’un des aspects les plus intéressants du défilé réside dans le dialogue permanent entre passé et présent. Pour certains imprimés, Ujoh a collaboré avec des artisans de Kyoto qui peignent à la main les motifs floraux directement sur les rouleaux de tissu. Un travail minutieux qui nécessite plusieurs étapes et près d’une semaine de réalisation avant que le textile ne soit prêt.

    Ces fleurs, traditionnellement associées à l’univers du kimono, quittent ici leur contexte d’origine pour intégrer un vestiaire contemporain. Le passé n’est jamais effacé, mais réinterprété. Cette idée résume parfaitement la collection : faire cohabiter différentes temporalités, différents usages et différentes influences au sein d’une même silhouette.

    À l’heure où la mode oscille souvent entre nostalgie et futurisme, Ujoh propose une troisième voie. Celle d’un vestiaire capable de faire dialoguer le formel et le quotidien, l’artisanat et la fonctionnalité, la tradition japonaise et les besoins d’une garde-robe contemporaine. Une proposition discrète mais particulièrement intelligente, qui confirme une nouvelle fois la place singulière de la maison dans le paysage parisien.

    Ujoh efface les frontières du vestiaire à la Fashion Week de Paris

    Entre tailoring, workwear et sportswear, Ujoh a présenté une collection printemps-été 2027 construite autour d’une idée simple : un vêtement n’a plus besoin d’appartenir à une seule catégorie. Une réflexion subtile sur la manière dont nous nous habillons aujourd’hui.

    Dans une saison marquée par les démonstrations spectaculaires, Ujoh a choisi une approche plus silencieuse mais tout aussi pertinente. Pour le printemps-été 2027, la maison japonaise fondée par Mitsuru Nishizaki explore la notion de frontière, ou plutôt sa disparition progressive. Sur le podium parisien, les vêtements semblent constamment échapper aux classifications habituelles. Une veste emprunte à la chemise, le tailoring dialogue avec le sportswear tandis que le workwear s’invite dans des silhouettes plus sophistiquées.

    Cette ambiguïté volontaire est au cœur du projet. Chez Ujoh, le vêtement n’a plus une seule fonction ni une seule lecture. Une même pièce peut raconter plusieurs histoires selon l’angle sous lequel on la regarde. Sans jamais chercher la provocation, la marque questionne notre rapport à des codes vestimentaires devenus plus flous que jamais.

    Une élégance construite sur le mouvement

    Cette volonté d’effacer les limites se retrouve dans le travail des volumes. Les pantalons gagnent en ampleur jusqu’à adopter des formes ballon tandis que les vestes conservent la rigueur propre au tailoring tout en laissant davantage de place au mouvement. Les coupes asymétriques et les découpes caractéristiques de la maison viennent perturber la lecture des silhouettes.

    Ujoh ne cherche d’ailleurs pas à révolutionner le vêtement de manière brutale. La démarche consiste davantage à déplacer les repères. Un détail change de place, une construction est modifiée, une proportion est rééquilibrée. Ce sont ces micro-déplacements qui donnent à la collection sa modernité.

    On retrouve également cette recherche dans la présence de Ujoh Synth, la ligne plus sportive de la maison. Plus directe dans son approche, elle injecte des références techniques et des couleurs plus franches dans un vestiaire habituellement dominé par la précision du tailoring japonais.

    Quand le savoir-faire traditionnel rencontre le contemporain

    L’un des aspects les plus intéressants du défilé réside dans le dialogue permanent entre passé et présent. Pour certains imprimés, Ujoh a collaboré avec des artisans de Kyoto qui peignent à la main les motifs floraux directement sur les rouleaux de tissu. Un travail minutieux qui nécessite plusieurs étapes et près d’une semaine de réalisation avant que le textile ne soit prêt.

    Ces fleurs, traditionnellement associées à l’univers du kimono, quittent ici leur contexte d’origine pour intégrer un vestiaire contemporain. Le passé n’est jamais effacé, mais réinterprété. Cette idée résume parfaitement la collection : faire cohabiter différentes temporalités, différents usages et différentes influences au sein d’une même silhouette.

    À l’heure où la mode oscille souvent entre nostalgie et futurisme, Ujoh propose une troisième voie. Celle d’un vestiaire capable de faire dialoguer le formel et le quotidien, l’artisanat et la fonctionnalité, la tradition japonaise et les besoins d’une garde-robe contemporaine. Une proposition discrète mais particulièrement intelligente, qui confirme une nouvelle fois la place singulière de la maison dans le paysage parisien.

  • Anthony Vaccarello quitte Saint Laurent après dix ans à la tête de la maison

    Après une décennie marquée par une forte croissance et une identité créative affirmée, Anthony Vaccarello quitte Saint Laurent. Le créateur belge laisse derrière lui une maison plus puissante que jamais, mais aussi l’un des héritages les plus marquants de la mode contemporaine.

    L’information agit comme un séisme dans l’industrie du luxe. Quelques jours après un défilé printemps-été 2027 aux allures de chant du cygne, Saint Laurent a officialisé le départ d’Anthony Vaccarello. Arrivé en 2016 pour succéder à Hedi Slimane, le créateur belge aura profondément transformé la maison fondée par Yves Saint Laurent et Pierre Bergé. En dix ans, il a non seulement consolidé l’image de la griffe, mais également participé à son expansion mondiale, faisant de Saint Laurent l’un des piliers de Kering. Son dernier show parisien, entièrement baigné d’or face à la Tour Eiffel, apparaît aujourd’hui comme une conclusion particulièrement symbolique.

    Dix ans pour imposer une nouvelle vision de Saint Laurent

    Lorsque Anthony Vaccarello prend les rênes de la création, la maison est déjà l’une des plus désirables du secteur. Pourtant, il choisit rapidement d’écrire son propre chapitre. Là où son prédécesseur avait imposé une esthétique rock et androgyne, lui réintroduit une féminité plus assumée, plus sensuelle et plus théâtrale.

    Les minirobes sculpturales, les épaules affirmées, les jeux de transparence, le cuir et les silhouettes nocturnes deviennent progressivement sa signature. Sans jamais tomber dans la nostalgie, il réactive également plusieurs codes emblématiques de la maison, du logo Cassandre aux références aux années Yves Saint Laurent. Au fil des saisons, il construit une femme Saint Laurent immédiatement identifiable : indépendante, magnétique et sûre d’elle.

    Mais son apport dépasse largement le vêtement. Sous sa direction, Saint Laurent développe un véritable univers culturel, multipliant les collaborations artistiques, les expositions, les projets éditoriaux et même les incursions dans le cinéma. Les défilés deviennent des événements à part entière, souvent mis en scène dans des décors monumentaux qui participent à nourrir le mythe de la maison.

    Un départ qui ouvre une nouvelle période d’incertitude

    Le départ de Vaccarello intervient alors que le luxe traverse une période de transition. Malgré une position toujours solide au sein du groupe Kering, Saint Laurent fait face, comme l’ensemble du secteur, à un ralentissement de la croissance. Dans ce contexte, les changements de direction artistique se multiplient au sein des grandes maisons.

    Reste désormais la question de sa succession. Depuis plusieurs semaines, plusieurs noms circulent dans les coulisses de la Fashion Week, même si aucune annonce officielle n’a encore été faite. Parmi les profils les plus souvent évoqués figure celui de Chemena Kamali. Passée par les studios de Saint Laurent avant de prendre la direction artistique de Chloé, la créatrice allemande disposerait d’une parfaite connaissance de l’univers de la maison.

    Quant à Anthony Vaccarello, son avenir suscite déjà de nombreuses spéculations. Après avoir passé dix ans à définir l’image de Saint Laurent, difficile d’imaginer le créateur rester longtemps éloigné des grandes maisons. Son nom circule déjà dans plusieurs conversations de l’industrie, alors que le grand mercato du luxe continue de rebattre les cartes.

    Une chose est sûre : son départ marque la fin d’une époque chez Saint Laurent. La question est désormais de savoir qui aura la lourde tâche de lui succéder, mais aussi quelle sera la prochaine destination de l’un des designers les plus influents de sa génération.

  • Virginie Viard : pourquoi son livre sur Chanel est bien plus qu’une autobiographie

    Avec Un regard. Une vie chez Chanel, Virginie Viard raconte son parcours au sein de la maison. Mais derrière les souvenirs et les coulisses de la création, c’est surtout le récit d’une femme qui tente de reprendre possession de son histoire après trente-cinq ans dans l’ombre puis sous les projecteurs.

    Pendant longtemps, Virginie Viard a été l’une des personnalités les plus discrètes de la mode. D’abord collaboratrice de Karl Lagerfeld, puis directrice artistique de Chanel après sa disparition en 2019, elle a toujours préféré parler à travers les collections plutôt qu’à travers les médias. C’est précisément pour cette raison que sa prise de parole aujourd’hui intrigue autant. À travers son livre Un regard. Une vie chez Chanel, publié en pleine Fashion Week parisienne, l’ancienne dirigeante créative livre sa version d’une histoire qui s’étend sur plus de trois décennies. Une histoire intimement liée à Chanel, au point qu’il devient parfois difficile de distinguer la femme de la maison. L’ouvrage s’ouvre sur son départ brutal en 2024 mais dépasse rapidement le simple cadre du témoignage professionnel. Ce qui s’en dégage avant tout, c’est la sensation d’une rupture. Comme si la fin de son aventure chez Chanel avait également marqué la fin d’un chapitre personnel qu’elle n’avait pas encore totalement refermé. Derrière les anecdotes d’atelier et les souvenirs de collections, on découvre une femme qui tente de comprendre comment se reconstruire après avoir consacré l’essentiel de sa vie à une institution devenue son point d’ancrage.

    Le poids d’un héritage impossible à ignorer

    Il est difficile d’aborder le parcours de Virginie Viard sans évoquer Karl Lagerfeld. Pendant plus de trente ans, les deux créateurs ont formé un tandem singulier. Là où le Kaiser occupait le devant de la scène, Virginie Viard pilotait une grande partie de la mécanique créative dans l’ombre. Lorsque Chanel lui confie officiellement les clés de la direction artistique après la disparition du couturier allemand, l’industrie salue une transition logique. Pourtant, succéder à Karl Lagerfeld relevait probablement de la mission impossible.

    Le livre revient indirectement sur cette réalité. Car au fond, la question qui traverse l’ensemble du récit n’est pas seulement celle de son départ. C’est celle de sa place. Comment exister après une figure devenue une légende de son vivant ? Comment imprimer sa propre vision lorsqu’une maison est encore profondément associée à la personnalité de son prédécesseur ? Durant ses cinq années à la tête de Chanel, Virginie Viard a souvent été comparée à Karl Lagerfeld, parfois au détriment de son propre travail. Certaines collections ont été saluées pour leur élégance et leur fidélité à l’esprit de la maison, tandis que d’autres ont été jugées trop prudentes ou insuffisamment novatrices. Mais avec le recul, son récit montre surtout le poids considérable que représente un tel héritage. Là où Lagerfeld était devenu une véritable star mondiale, Virginie Viard n’a jamais cherché à jouer ce rôle. Elle appartenait à une autre génération, à une autre manière de faire de la mode.

    Le témoignage d’un monde de la mode en train de disparaître

    L’un des aspects les plus intéressants du livre réside finalement dans ce qu’il raconte de l’évolution du secteur. À travers ses souvenirs, Virginie Viard décrit une époque où les collections se construisaient dans une certaine confidentialité, où les studios créatifs fonctionnaient loin du regard permanent des réseaux sociaux et où les directeurs artistiques n’étaient pas encore devenus des célébrités suivies comme des pop stars.

    Cette nostalgie parcourt l’ensemble de l’ouvrage. Celle des défilés plus intimistes, des nuits passées à finaliser une collection, des collaborations qui s’étendaient sur plusieurs décennies. Un univers qui semble aujourd’hui bien éloigné de la mode contemporaine, rythmée par les contenus viraux, les livestreams et les réactions instantanées du public. Sans jamais condamner frontalement cette évolution, Virginie Viard laisse transparaître une certaine distance avec ce nouveau système. Elle apparaît comme l’une des dernières représentantes d’une génération pour laquelle le vêtement passait avant l’image et où la discrétion était encore considérée comme une qualité.

    Cette dimension donne au livre une portée plus large que le simple récit d’une éviction ou d’une carrière. Il devient le témoignage d’une industrie en pleine transformation, où les créateurs doivent désormais gérer autant leur image publique que leurs collections.

    Une question universelle derrière le récit

    Au fond, Un regard. Une vie chez Chanel n’est pas uniquement un livre sur la mode ou sur Chanel. C’est un livre sur l’identité. Sur ce qui arrive lorsque l’on consacre trente-cinq ans à une même maison, au point que celle-ci devienne une part de soi. Derrière les défilés, les ateliers et les souvenirs de Karl Lagerfeld, Virginie Viard semble chercher une réponse à une interrogation beaucoup plus intime : comment continuer à avancer lorsque l’endroit qui a structuré toute votre existence ne fait plus partie du quotidien ? Qu’on apprécie ou non son travail à la tête de Chanel, son témoignage rappelle une chose essentielle : derrière les grandes maisons de luxe et les changements de direction artistique se cachent avant tout des histoires humaines. Et parfois, raconter son parcours devient la meilleure façon de s’assurer qu’il ne sera pas oublié.

  • FLO en concert à Paris : le trio R&B investira le Zénith en 2027

    FLO en concert à Paris : le trio R&B investira le Zénith en 2027

    Révélation du R&B britannique ces dernières années, FLO se produira au Zénith de Paris le 8 mars 2027 dans le cadre de sa tournée Therapy At The Club. Un rendez-vous très attendu pour le trio qui poursuit son ascension internationale.

    Elles ont commencé comme une promesse du R&B contemporain. En quelques années, FLO est devenu l’un des groupes féminins les plus observés de sa génération. Formé à Londres par Jorja Douglas, Stella Quaresma et Renée Downer, le trio s’est imposé grâce à une formule qui semblait pourtant avoir disparu des radars : celle des girl groups portés par des harmonies vocales travaillées, des refrains accrocheurs et un véritable sens de la performance. Inspirées par les Destiny’s Child, TLC ou encore SWV, les trois Britanniques ont rapidement trouvé leur propre identité, entre nostalgie des années 2000 et production résolument moderne.

    Leur percée débute véritablement avec Cardboard Box, devenu viral sur les réseaux sociaux, avant d’être confirmée par une série de récompenses prestigieuses. Sacré meilleur groupe R&B aux BRIT Awards et soutenu par des artistes comme SZA, Kelly Rowland ou Missy Elliott, FLO s’est progressivement imposé comme le visage du renouveau du R&B féminin britannique.

    Une tournée qui marque un changement de dimension

    Le 8 mars prochain, le trio franchira une nouvelle étape de sa carrière en montant sur la scène du Zénith de Paris dans le cadre du Therapy At The Club Tour. Une tournée qui doit les conduire dans plusieurs grandes salles internationales et qui témoigne du changement de statut du groupe.

    Après avoir conquis les plateformes de streaming et les festivals, FLO s’attaque désormais à des salles de plus grande capacité, avec l’ambition de transformer ses succès numériques en véritable puissance scénique. Celles qui ont longtemps été comparées à leurs illustres aînées cherchent désormais à écrire leur propre histoire.

    Pour le public français, cette date parisienne représente également l’occasion de découvrir un projet pensé autour de la scène. Car si FLO s’est construit grâce aux réseaux sociaux, c’est avant tout par ses performances live et la complémentarité de ses trois voix que le groupe continue de convaincre.

    Therapy At The Club, l’album de la confirmation

    Cette tournée accompagne la sortie de Therapy At The Club, un nouvel album particulièrement attendu après le succès de Access All Areas. Avec ce projet, FLO poursuit son exploration des thèmes qui ont fait son succès : les relations amoureuses, l’émancipation, les amitiés féminines et les désillusions sentimentales.

    Le disque conserve les codes qui ont permis au groupe de se distinguer, entre R&B contemporain, influences soul et touches pop, tout en affichant une ambition plus affirmée. Là où leurs premiers projets étaient parfois perçus comme un hommage à l’âge d’or des girl groups, Therapy At The Club semble davantage vouloir installer FLO comme une référence à part entière de la scène actuelle.

    À seulement quelques années de leurs débuts, Jorja Douglas, Stella Quaresma et Renée Downer apparaissent déjà comme l’une des formations les plus influentes du R&B britannique. Reste désormais à savoir si cette nouvelle tournée et ce nouvel album leur permettront de franchir un cap supplémentaire. Une chose est sûre : leur passage au Zénith de Paris s’annonce comme l’un des rendez-vous R&B les plus attendus de 2027.

  • Concerts à Paris en octobre 2026 : les rendez-vous musicaux à ne pas manquer

    Entre rap, pop, électro et artistes internationaux, Paris affiche un agenda musical particulièrement dense en octobre 2026. De la Cigale à l’Accor Arena, en passant par l’Olympia et le Zénith, la capitale accueillera des têtes d’affiche confirmées comme des talents en pleine ascension.

    Le mois d’octobre s’annonce particulièrement riche pour les amateurs de musique live. Dès le 4 octobre, la capitale proposera un contraste saisissant entre deux univers artistiques. À La Cigale, la rappeuse parisienne 2L poursuivra son ascension. Révélée pour son rap conscient et engagé, elle s’est imposée comme l’une des nouvelles voix à suivre sur la scène française grâce à son écriture affûtée et à l’intégration du violon dans ses performances scéniques. Le même soir, le Zénith accueillera Alizée, figure emblématique de la pop française révélée au début des années 2000 avec le tube Moi… Lolita. Alors que l’artiste célèbre plus de vingt-cinq ans de carrière, son retour sur scène continue de susciter un fort engouement

    La mi-octobre fera ensuite la part belle à la diversité musicale internationale. Le 17 octobre, Ruel investira La Machine du Moulin Rouge. Le chanteur australien, découvert très jeune grâce à des titres comme Younger ou Painkiller, s’est forgé une réputation solide sur la scène pop contemporaine grâce à sa voix soul et à son univers mélodique singulier. Le lendemain, le Zénith vibrera au rythme des sets de Mosimann, DJ et producteur franco-suisse qui mêle avec succès performance live, chant, claviers et électro. Ancien vainqueur de la Star Academy devenu figure reconnue de la scène dance internationale, il continue de remplir les grandes salles françaises. Toujours le 18 octobre, Slayyyter sera au Trianon. La chanteuse américaine s’est imposée ces dernières années comme l’une des représentantes les plus remarquées de la nouvelle pop électro, entre hyperpop, esthétique Y2K et influences dance.

    Des têtes d’affiche françaises et internationales dans toutes les salles parisiennes

    La seconde moitié du mois confirmera cette dynamique. Le 19 octobre, l’Accor Arena recevra Bigflo & Oli, duo toulousain devenu incontournable dans le paysage du rap français. Après plusieurs albums à succès et une tournée portée par leur dernier projet Karma, les deux frères restent parmi les artistes les plus populaires de leur génération. Le même soir, Anastacia retrouvera son public à l’Olympia, salle mythique adaptée à la puissance vocale de l’interprète américaine révélée par les tubes I’m Outta Love et Left Outside Alone.

    Le 20 octobre, 47TER prendra possession de La Cigale. Le groupe francilien a construit sa popularité grâce à un savant mélange de rap, de chanson et de mélodies fédératrices. Le lendemain, le Zénith accueillera Khalid, figure majeure du R&B contemporain américain. L’artiste s’est imposé sur la scène mondiale avec des titres comme Location ou Young Dumb & Broke, séduisant un public bien au-delà des frontières américaines.

    Une scène émergente toujours plus visible

    Au-delà des grands noms, octobre 2026 met également en lumière une génération d’artistes en plein développement. Le 23 octobre, Bianca Costa se produira au Trianon. L’artiste franco-brésilienne s’est distinguée par sa capacité à mélanger influences urbaines, pop et sonorités latines. Le 25 octobre, Enola Cox investira La Maroquinerie, une salle réputée pour sa programmation attentive aux artistes émergents. Le 27 octobre, deux propositions très différentes se partageront l’affiche parisienne ave Meryl à l’Accor Arena et Melanie C à La Machine du Moulin Rouge. Enfin, le mois se clôturera le 30 octobre avec Tokio Hotel à l’Adidas Arena. Le groupe allemand, devenu phénomène international dès les années 2000, continue d’attirer un public fidèle grâce à un répertoire mêlant rock et pop alternative.

    Entre retours très attendus, stars internationales et nouveaux visages de la scène musicale, octobre 2026 confirme une nouvelle fois le statut de Paris comme l’une des capitales européennes du concert. Une programmation éclectique qui devrait permettre à chaque mélomane de trouver son rendez-vous incontournable avant l’arrivée de la saison hivernale.

  • Anrealage imagine des vêtements vivants à la Fashion Week de Paris

    Avec ses robes capables de changer instantanément de couleur grâce à des milliers de micro-écailles électroniques, Anrealage a offert l’un des moments les plus spectaculaires de cette Fashion Week. Plus qu’une prouesse technologique, le créateur japonais Kunihiko Morinaga questionne notre rapport aux écrans et à l’image.

    Certaines collections marquent par leur esthétique. D’autres par l’émotion qu’elles provoquent. Chez Anrealage, c’est souvent l’émerveillement qui l’emporte. Cette saison encore, Kunihiko Morinaga a transformé son défilé parisien en expérience presque futuriste. Sur le podium, les silhouettes semblaient muter en temps réel sous les yeux du public. Une robe passait du bleu électrique au rouge incandescent, puis affichait de nouveaux motifs quelques secondes plus tard, comme si le vêtement était doté de sa propre vie.

    L’effet est saisissant, mais il ne relève pas de l’illusion. Chaque création est composée de milliers de micro-écailles électroniques capables d’être pilotées individuellement à distance. Le vêtement ne possède plus une seule apparence : il en contient des dizaines.

    Quand la mode emprunte le langage des écrans

    Depuis plusieurs saisons, Anrealage explore les interactions entre le corps, la lumière et la technologie. Avec cette nouvelle collection, le créateur japonais pousse encore plus loin la réflexion. Inspirées des phénomènes de camouflage et de transformation observés dans le monde animal, les silhouettes rappellent les reptiles qui changent de peau ou certaines espèces marines capables de modifier instantanément leur apparence.

    Mais derrière cette référence à la nature se cache une observation très contemporaine. Aujourd’hui, nos écrans sont devenus des surfaces en perpétuelle évolution. Une même interface change d’apparence plusieurs fois par jour. Nos profils numériques se réinventent constamment. Morinaga semble poser une question simple : pourquoi le vêtement resterait-il figé alors que tout, autour de nous, devient mouvant ?

    Ainsi, la robe n’est plus seulement un objet. Elle devient un support d’information, une surface d’expression capable d’évoluer en permanence.

    Le futur de la mode se joue-t-il ici ?

    Dans une Fashion Week largement dominée cette saison par les références aux archives et au patrimoine des grandes maisons, Anrealage fait figure d’exception. Là où beaucoup regardent vers le passé, Kunihiko Morinaga regarde clairement vers demain.

    Bien sûr, ces créations relèvent encore davantage de l’expérimentation que du prêt-à-porter du quotidien. Mais elles ouvrent une réflexion passionnante sur l’avenir du vêtement. Demain, porterons-nous une robe capable de changer de couleur selon notre humeur ? Une veste dont les motifs évolueront au fil de la journée ? Ou un vêtement mis à jour aussi facilement qu’une application ?

    À défaut d’apporter toutes les réponses, Anrealage rappelle une chose essentielle : la mode n’est pas seulement une industrie du vêtement. Elle reste aussi un formidable laboratoire d’idées capable d’imaginer le monde avant qu’il n’existe.

  • Saint Laurent : le défilé d’Anthony Vaccarello avait-il des allures d’adieux ?

    Saint Laurent : le défilé d’Anthony Vaccarello avait-il des allures d’adieux ?

    Portée par une omniprésence du doré et conclue par une apparition remarquée de Charlotte Gainsbourg, la collection printemps-été 2027 de Saint Laurent a alimenté les spéculations autour d’un possible départ d’Anthony Vaccarello après dix ans à la tête de la maison.

    Mardi soir, au Trocadéro, Saint Laurent a une nouvelle fois offert l’un des spectacles les plus impressionnants de cette Fashion Week parisienne. Face à la tour Eiffel, Anthony Vaccarello avait imaginé un décor monumental dominé par un immense lustre doré suspendu dans le ciel. Une mise en scène spectaculaire pour accompagner une collection presque entièrement construite autour d’une seule couleur : l’or.

    Des premières silhouettes jusqu’au final, le directeur artistique belge a multiplié les références à l’héritage d’Yves Saint Laurent. Vestes en brocart, sahariennes, robes transparentes, bijoux XXL et détails métalliques se succèdent dans une collection qui célèbre le glamour, l’excès et les nuits parisiennes. Plus qu’une simple relecture d’archives, Vaccarello semble établir un dialogue entre son propre langage créatif et celui du fondateur de la maison.

    Un hommage appuyé à Yves Saint Laurent

    L’or occupe une place centrale dans ce défilé. Une couleur fétiche d’Yves Saint Laurent, inspirée notamment par les lumières d’Oran et de Marrakech, que Vaccarello décline de manière presque obsessionnelle. Le résultat est hypnotique. Chaque silhouette paraît baignée dans un halo lumineux qui relie le passé de la maison à son présent.

    Cette célébration de l’héritage Saint Laurent s’est également retrouvée dans les notes du défilé. Le créateur y évoque la lumière, le temps qui passe et ce qui demeure après une disparition. Des thèmes qui ont immédiatement retenu l’attention des observateurs.

    Depuis plusieurs jours, des rumeurs persistantes circulent sur un possible départ d’Anthony Vaccarello. Aucune confirmation officielle n’a été apportée par Saint Laurent ou Kering, mais plusieurs médias spécialisés évoquent la fin d’un cycle pour celui qui dirige la création de la maison depuis 2016.

    Charlotte Gainsbourg a-t-elle envoyé un message ?

    Le moment qui a le plus enflammé les conversations est pourtant arrivé après le dernier passage. Venue accompagner le salut final, Charlotte Gainsbourg a interprété quelques mots qui ont immédiatement été analysés comme un possible hommage au créateur.

    « You are so much Yves Saint Laurent, gold, champagne and dangerous charm », a lancé l’actrice et chanteuse au moment où Anthony Vaccarello apparaissait sur le podium.

    Une phrase qui a fait réagir les invités présents. Pour certains, il s’agissait simplement d’un hommage à la vision du directeur artistique. Pour d’autres, cette déclaration, associée à l’atmosphère nostalgique du défilé et aux références constantes à la transmission, ressemblait à un clin d’œil à une possible sortie.

    Après dix ans à la tête de Saint Laurent, Anthony Vaccarello a profondément transformé la maison. Il lui a donné une identité immédiatement reconnaissable, fondée sur des silhouettes affûtées, des épaules puissantes, le noir, la transparence et une sensualité assumée. Cette collection printemps-été 2027 apparaît ainsi comme une synthèse de son travail : spectaculaire, cohérente et fidèle à l’ADN Saint Laurent.

    Reste désormais à savoir si ce défilé marquera simplement un nouveau chapitre de son histoire avec la maison ou les prémices d’un passage de relais. Une question qui devrait continuer d’alimenter les discussions bien après la fin de cette Fashion Week parisienne.

  • MaXhosa Africa : l’Afrique du Sud s’invite enfin dans le récit de la mode parisienne

    Pour sa première apparition au calendrier officiel de la Fashion Week de Paris, MaXhosa Africa n’est pas venue chercher une validation. La marque sud-africaine a surtout rappelé qu’une autre vision du luxe existe, construite sur le savoir-faire local, l’identité culturelle et la fierté africaine.

    Pendant longtemps, Paris a regardé l’Afrique comme une source d’inspiration. Cette saison, la capitale française a dû la regarder comme un acteur à part entière de la création contemporaine. En faisant son entrée au calendrier officiel, MaXhosa Africa signe bien plus qu’un premier défilé parisien : la marque affirme la place croissante des créateurs africains dans une industrie encore largement dominée par les maisons européennes.

    Installé dans la résidence de l’ambassadeur d’Afrique du Sud, le show imaginé par Laduma Ngxokolo avait tout d’une déclaration culturelle. Mailles graphiques, couleurs éclatantes, silhouettes masculines et féminines pensées comme un dialogue entre héritage et modernité : chaque passage racontait une Afrique loin des clichés, tournée vers l’avenir et consciente de sa puissance créative.

    Une mode qui revendique ses racines

    Depuis sa création en 2010, MaXhosa Africa construit son identité autour des traditions textiles xhosas. Mais à Paris, le créateur a choisi d’élargir son propos à l’ensemble du continent. Plusieurs silhouettes évoquaient l’unité africaine à travers des références géographiques et symboliques, dans une collection où le vêtement devenait support de récit autant qu’objet de mode.

    Loin de la démonstration folklorique, Ngxokolo assume une vision ambitieuse. Son objectif n’est pas seulement de montrer l’Afrique, mais de l’inscrire durablement dans les conversations mondiales sur le luxe. Une démarche d’autant plus crédible que la marque conserve une grande partie de sa production en Afrique du Sud, où elle emploie plusieurs centaines de personnes.

    Une nouvelle génération de créateurs africains

    L’arrivée de MaXhosa Africa à Paris s’inscrit dans un mouvement plus large. Ces dernières années, plusieurs créateurs africains ou issus des diasporas ont bouleversé les codes de l’industrie. Mais les marques directement produites sur le continent restent encore rares dans les calendriers officiels.

    C’est précisément ce qui rend cette première apparition significative. Plus qu’un succès individuel, elle témoigne de l’évolution progressive des grandes Fashion Weeks, désormais contraintes d’élargir leur regard au-delà de leurs territoires historiques.

    À l’heure où le luxe cherche de nouveaux récits et de nouveaux marchés, MaXhosa Africa rappelle que l’Afrique n’est plus seulement une inspiration. Elle devient un acteur créatif incontournable dont Paris ne peut plus ignorer la voix.

  • Matières Fécales place de la République : le défilé le plus politique de la Fashion Week de Paris

    Premier défilé de mode place de la République, manifeste en faveur des migrants et des minorités, arrivée remarquée de Rihanna : Matières Fécales a transformé son show printemps-été 2027 en événement politique autant que mode.

    Lundi soir, la Fashion Week de Paris a vécu l’un de ses moments les plus singuliers. Pour présenter sa collection printemps-été 2027, la maison canadienne Matières Fécales a investi la place de la République, une première dans l’histoire de la mode. Un choix hautement symbolique pour le duo formé par Hannah Rose Dalton et Steven Raj Bhaskaran. Loin des salons feutrés ou des lieux patrimoniaux habituellement privilégiés par les grandes maisons, la marque a choisi un espace associé aux manifestations, aux débats citoyens et aux rassemblements populaires. Dès lors, le défilé dépassait le simple exercice stylistique pour devenir une véritable déclaration d’intention.

    Une collection qui interroge les rapports de pouvoir

    Baptisée The Ninety-Nine Percent, la collection poursuit la réflexion engagée lors de la saison précédente autour des inégalités économiques. Après avoir dénoncé le pouvoir du « 1 % » le plus riche, Matières Fécales s’intéresse désormais aux « 99 % » restants. Le récit s’appuie sur l’histoire personnelle de Steven Raj Bhaskaran, enfant d’immigrés ayant grandi dans des logements sociaux à Montréal.

    Les 99 silhouettes présentées, portées par des mannequins majoritairement racisés, traduisent cette volonté de donner une visibilité à ceux qui occupent rarement le centre du récit dans l’industrie du luxe. Le créateur célèbre les communautés immigrées, les classes populaires et les minorités à travers un vestiaire mêlant références religieuses, influences punk et codes de la haute couture. Plusieurs silhouettes font également dialoguer des savoir-faire venus d’Inde ou du Burkina Faso avec l’esthétique occidentale, illustrant une vision plus mondialisée et inclusive de la création contemporaine.

    Rihanna fait monter l’attente

    Avant même le début du show, un autre sujet animait les conversations : l’arrivée de Rihanna. Connue pour ses apparitions aussi rares qu’attendues, la chanteuse a fait patienter les quelque 500 invités réunis autour de la statue de la République. Son retard n’a fait qu’accentuer l’effervescence.

    Lorsqu’elle a finalement pris place au premier rang, aux côtés notamment de Rick Owens, les flashs se sont immédiatement multipliés. Vêtue d’un tailleur en tweed lurex bronze associé à un corset sculptural, Rihanna a confirmé l’aura grandissante de Matières Fécales. Après avoir habillé Zendaya, Lady Gaga ou encore Gabbriette, la maison canadienne poursuit son ascension et s’impose désormais comme l’un des labels les plus observés de cette Fashion Week.

    Le final, montrant des mannequins portant sur leurs épaules des figures de milliardaires, a résumé l’ambition du projet. Dans une industrie souvent guidée par le consensus, Matières Fécales choisit la prise de position. Et rappelle qu’à Paris, la mode peut encore être un espace de contestation, de réflexion et de débat.